反叛顛世的時尚姿態－－Robbie Spencer

（2011 SS 《It came from the sky》for Dazed & Consed）

一般而言，時尚編輯可細分為文字編輯跟服裝編輯，有些編制小的雜誌可能會一人身兼兩職，或者是邀請編制外的人協助單元製作。文字編輯用獨特觀點和犀利詞藻洞悉時尚產業現況和趨勢，服裝編輯則用當季最新的設計，組裝一套套可融入綺麗情境的成套服飾。

服裝設計師創造個人風格的服飾，服裝編輯以個人品味打造姿態的多元可能，時尚攝影師則用個人視角營造情境雋永的瞬間。

然而，不同的雜誌載體，訴求不同，自然會有不同的呈現方式，由英國鬼才攝影師Rankin創立的雜誌Dazed & Confused中，資深的服裝編輯Robbie Spencer，就時常替我們帶來耳目一新又極具張力的創作。

（大男孩一般的Robbie Spencer）

會用「創作」二字，主要是因為Dazed & Confused雜誌的商業訴求較不明顯，因此實用性會遠低於藝術性，這當然和創辦人Rankin的背景有密切關係，而Rankin的「反時尚」和故鄉英國的天生反叛氣息，也就更加理直氣壯的深根在這本前衛時尚雜誌中。

熱愛時尚的人通常都意志力堅強，Robbie Spencer在18歲的時候初到倫敦，就替自己在Wallpaper謀了個實習生的職務，之後在大學攻讀時尚媒體時，也分別在圈內很有名的時尚攝影雜誌10 Magazine及Another，還有他現在所屬的Dazed & Confused擔任助理工作，2005年正式加入Dazed & Confused之後就一直工作至今，由於他的品味獨特，因此還接了其他雜誌的造型工作。

（2011年NY Times T Magazine《A diamond in the roughage》）

服裝編輯擁有優秀的時尚品味只是個基本條件，在替一組「有主題設定」的服裝單元進行造型搭配時，需要列入考量的並不只有服裝本身，還同時要注意妝髮的樣式、顏色、比例，以及模特兒的姿勢，畫面構圖、道具、場景陳列，以及最後在雜誌上的排版呈現等等，如何不仰賴文字，就能以「純視覺」及「符號」清楚表達主題的訴求和整本時尚雜誌的調性，都攸關一組時尚攝影的成敗。而這成敗，可以捧紅一個人、使一種新的服裝穿搭成為經典，或者是改變一整個世代的流行。也因為如此，當今的知名服裝編輯變得如此受人追捧。

和一些知名的服裝編輯不同，Robbie Spencer的強項是男裝，然而這也為此替他的女裝造型跟別人與眾不同，像是2012年的Dazed & Confused讓高齡90多歲的時尚指標Iris Apfel裝可愛，穿上川久保玲的2D娃娃裝，意外地毫無衝突的穿搭，在出刊之時造成轟動。2013年替Another雜誌的一組攝影《Yumi》打理造型，運用當季的服裝搭配出日式的層疊穿著風格，矜持抑鬱的畫面，則不同於他在D雜誌裡的瘋狂不設限。

（2012年 Iris Apfel in Comme des Garcons）

（2013 SS 《Yumi》for Another magazine） 

他所做過的造型多不勝數，可繁複可簡約，可叛逆可優雅，可西方可東方，唯一不變的是總帶著一點冷冽的氣息，一點凝結的距離感－－毫無保留的供觀者直視，卻無法親近的孤傲。

（2012 Sep. 《Holy Flower》for Dazed & Confused）

（2011 Apr. 《Gold digger》ft. Andrej Pejic for Dazed & Confused）

更多Robbie Spencer的作品：

Models.com－Robbie Spencer

Robbie's Tumblr

拒絕約定俗成的美麗－－Erwin Blumenfeld

1950年一月，當年早已是時尚雜誌龍頭之一的《VOGUE》，登出了一個驚艷四座的封面，沒有身材姣好的模特兒搔首弄姿，沒有美胸纖腰豐臀長腿，沒有流暢的臉部線條，沒有高挺的鼻子，只有一隻眼睛和一抹朱唇加上一顆性感的唇邊痣，少了所有一般認為女性最性感的部位，卻依然讓人看了目不轉睛。

這張將女性五官解構成一個個元件的攝影作品，影響後世時尚攝影相當深遠，2012年由攝影大師Solve Sundsbo拍攝的Chanel《Rouge Allure》唇膏廣告《I Love Chanel》，就以這張經典照片作為靈感，製作出一部一分多鐘的短片，就為了向永遠的時尚攝影大師Erwin Blumenfeld致敬。

Erwin Blumenfeld在成為攝影師之前的日子是非常不順遂的，他是出生德國的猶太人，父親早逝，家中面臨破產困境，當時尚還年幼的他被迫休學，去女裝貿易公司擔任裁縫學徒。在短暫的校園生涯裡，他認識了畢生摯交Paul Citroen（後來成為知名的藝術家），兩人無話不談，時常一起去當地的藝術沙龍或充滿文化氣息的咖啡廳打轉，認識了不少當時的詩人和文豪，1916年，Blumenfeld和Citroen的表妹Lena相識相愛，兩人後來在荷蘭完婚。

（上三為Erwin Blumenfeld本人） 

Blumenfeld生在亂世，經歷了兩次世界大戰，第一次世界大戰時他無可避免的被召上前線擔任醫護兵，那些可怕的日子，讓他曾經想脫逃到荷蘭，但半路被逮回軍中，直到戰爭結束之後，作為唯一生還者的他就逃離了德國，前往荷蘭，與未婚妻Lena互訂終身。雖然是以時尚攝影聲名大噪，但在此之前他作過的工作可不少，他曾經是書店店員，更曾以本名經營自己的皮具行，販賣女性皮具好一段時間，也正是這個時候，他開始替來光顧皮具行的女性顧客拍照，將攝影融入自己的工作中，不過當初發想的這一切僅僅只是為了賺錢。

和好友Citroen相處這麼多年，難免沾染一身藝術氣息，Blumenfeld朝思暮想成為一位藝術家，然而因為種種困難，他並無法以藝術維生，因此他僅在周末假日等空閒的時間，進行這些他最喜歡的藝術活動，他積極參與荷蘭的達達藝術團體和相關運動，在1940年代以前，作為一名德裔猶太人，他有不少達達風格的作品，都在諷刺希特勒的霸權，因為這些批判性的創作，讓他多次被政府當局「關注」，不過也讓開始注意到這個人，Blumenfeld其中一張在希特勒頭像上打洞的作品，在二次世界大戰時，被美軍大量複製，由飛行員從德國上空大量撒下，當作一種挑釁式的攻擊。

縱使一開始攝影對Blumenfeld來說，只是一種賺錢的噱頭，不過在替雜誌進行特約攝影之前，他的攝影作品已經小有名氣，曾經兩次在荷蘭舉辦個展的他，才皮具生意正式失敗之後，才決定將職業生涯的目標轉向職業攝影師邁進，於是他帶著家人，舉家遷居至法國巴黎。當時他的黑白攝影作品《濕紗下的裸體》（Nude under wet silk）得到不少好評，因此他有了第一次替雜誌封面拍攝的機會，1937年，他的作品登上了法國的彩妝雜誌《Votre Beaute》二月號，一個著重在妝容，模糊了臉部線條的照片，又真又假，相當的前衛，他獨特充滿了大膽藝術感的風格替他招來了貴人，隔年他認識了當時已經叱吒時尚界的攝影大師Cecil Beaton， Beaton看見他在《Votre Beaute》的作品後，在自己的日記中寫道：「作為一名藝術家，他的才氣是不爭的事實，但他並不是個會妥協的藝術家。我非常樂見於他替《VOGUE》工作，他的作品和《VOGUE》常用的照片調性不同，他鏡頭下的事物往往比時尚更加發人深省。」（His merit as an artist lies in the fact that he is incapable of compromise, and although I would like him to work for Vogue , his pictures are not of Vogue quality, for they are much more serious, too provoking and better than fashion.）得到Beaton盛讚後的Blumenfeld就這樣被介紹替法國版《VOGUE》工作，那年，他正值壯年，41歲。

 （替他打響名氣的Nude under wet silk）

（Erwin的第一個雜誌封面作品）

（領Erwin Blumenfeld入行的攝影師Cecil Beaton）

（加入《VOGUE》後於巴黎鐵塔與當時的名模Lisa Fonssagrives拍下的第一個經典作品）

替法國版《VOGUE》工作一段時間後，雙方並沒有續約，與此同時，人在美國旅行的Blumenfeld接到了另一個時尚雜誌老品牌《Harper's Bazaar》的工作邀約，要他拍攝巴黎特輯，於是他就又回到了巴黎，準備開始新的工作進度。看似已經起步，一切順遂的職業生涯，卻又硬生生的被突如其來的二次世界大戰攪亂，在待過各個法國集中營之後，他後來終於成功逃往美國，並在紐約定居，真正穩定的開始他的攝影旅程。Erwin Blumenfeld是有史以來替《VOGUE》拍攝過最多封面的攝影師，挾著達達主義的思想，他的作品充滿了蒙太奇的拼貼感，足具實驗精神，也如同達達主義的宗旨，表現著非約定俗成的美麗。

（Blumenfeld鏡頭底下的Grace Kelly）

（Blumenfeld鏡頭底下的Audrey Herpburn）

1944年離開《Harper's Bazaar》，又重回《VOGUE》工作，同時也接了其他刊物的攝影案，這段時期是他創作最多產、最豐富的時期，還邀請了攝影大師Edward Stechen替他在紐約現代藝術博物館的展覽進行策展工作，然後，終於在1950年交出他攝影生涯中最有名的雜誌封面照片，那魅惑眾生的女人魅眼紅唇特寫。這時已是Blumenfeld的生涯晚期，他開始著力於動態攝影，拍了許多實驗性的短片，繼續展演著他所擅長的蒙太奇，以此技術震撼當時視覺體驗還沒這麼豐富的時代。與此同時，他也和兒子一起忙碌著整理畢生的經歷和作品，並交由兒子處理相關出版事務，在1969年他因心臟病去世於羅馬前，已經有多本攝影集出版問世。

 

Erwin Blumenfeld的作品有很明顯的分野，黑白照片大多是他私底下的個人創作，彩色的則是他替雜誌工作的作品。過去有太多的攝影師出身畫家，他卻是有截然不同的經歷，這些經歷，讓他跳脫受限於古典畫派影響的框框，重新思考女性美的本質，結合了達達主義反對藝術既定審美的想法，讓他拍攝女性時總有不一樣的視角，破碎的女體在畫面中，仍然不影響觀者對照片中女子展現之美麗的感受，反而更甚之，強化了女性美的存在。他解構了女性的美麗，所謂的女性美不再只是優雅柔和的身體曲線，他使美麗變得更多元，女性美的表達可以是一個眼神、半張臉龐，更可以是一個交錯、重疊或模糊的剪影。

經典影像的重生－模仿經典圖像的時尚攝影（下）

從前的藝術創作者藉由模仿再製來實驗自己的全新概念，而後現代的如今，時尚品牌則藉由反芻或融合經典圖像的符號，引起新鮮的視覺張力，製造新的賣點與話題。無論是出於渴望超越前人的野心，還是想再三回味經典的美麗，每當看到有新銳的藝術家或創作者，企圖模仿經典畫作或經典影像時，都會忍不住多看一眼，因為總是會興起比較心態，想看新版遺漏了哪些耐人尋味的細節，但也因此再次確立了經典作品的偉大與傑出。

Christian Louboutin－2011年秋冬系列廣告

創造出女性畢生憧憬之鞋的紅底鞋之王、法國鞋履設計師Christian Louboutin，先前和YSL的紅底鞋官司雖然最終反敗為勝，但在「模仿經典名畫作為廣告」的這個部分，他顯然是沒有Yves Saint Lauren先生來得有遠見。雖說如此，Christian Louboutin仍舊在廣告中注入了自身風格的幽默。

2011年秋冬Christian Louboutin推出的系列形象廣告引起了軒然大波，因為又是一次完美的歷史名畫重現，他與長期配合的攝影師Peter Lippmann，為了展現品牌熱愛和渴望呵護女性的理念，因此蒐羅了幾幅歷史上最著名的，以女人為主題的畫作為範本，包含法國文藝復興時期肖象畫家Francois Clouet的《澳洲的伊麗莎白》、印象派畫家Whistler的《藝術家的母親》....等，找來真人模仿重新詮釋畫中人物的神韻與情思，並將Louboutin當季最新款的鞋履包款，不留痕跡的融入畫面當中，讓這些類型互異，卻相同在歷史上共存盛名的女人們，成為了品牌最佳的代言人，以不同的立場，隱隱訴說著Christian Louboutin的夢幻。

Marithe + Francois Girbaud（M+FG）－2005年春夏廣告《最後的晚餐》

喜歡丹寧服飾的朋友，若有機會到法國旅遊，絕對不能錯過的本土品牌就是Marithe + Francois Girbaud（簡稱M+FG），誕生於自由的1960年代末期，由Marithe 和 Francois Girbaud這對充滿人文氣息的夫妻檔所創立，品牌主打商品為丹寧服飾。和一般認知的丹寧服飾有所不同，夫妻倆高超的剪裁方式替丹寧服飾帶來了前所未有的新觀念，不論是解構的技法，或是添入異材質，甚或是獨家的雷射切割技術、環保染料、有機棉的使用等等，都讓這個品牌在創立當時，獨領風騷，至今也依然如此，而更甚，品牌的招牌商品更增添了一項，就是潛水布料的運用，將此種不易運用得當的布種使用得相當前衛且實用。

而另一項M+FG的強項就是形象的打造，當一個品牌本身明白的定位及清楚的發展目標時，加上一些創意，其餘的皆會水到渠成。多年來M+FG推出了無數吸睛的品牌廣告，為此他們還推出了自己的品牌精裝書，有英文版與法文版兩種，細數品牌歷史，以及他們獨有的美學理念。縱使如此，前衛的思維總有不被眾人接受的時候，2005年春夏的品牌廣告以《最後的晚餐》為靈感，顛覆了畫作中以男性為主的人物配置，找來真人女模詮釋畫中的角色，卻因此引來群眾的撻伐，認為此舉褻瀆了宗教的神聖。儘管M+FG再三解釋，現代女人多數時候必須犧牲色相才能在性別之間取得真正的平等，所以才希望藉此廣告，讓女人詮釋男人的角色，呈現女性不需要在弱勢地位也能自信獨立的新鮮感。然而，如此言之有物的廣告理念依然不被民眾接受，因此，在廣告釋出的三天後，即被下令撤除。

Dior－2013年Secret Garden微電影中的《草地上的午餐》

去年各大精品掀起微電影大戰，歷史悠久的Dior不落人後，推出了《祕密花園》（Secret Garden）微電影，找來中國超模雎曉雯等人，在巴黎凡爾賽宮中，以磅礡的氣氛，展現了品牌難得的霸氣。而今年，延續同樣的主題，Dior 又推出了一部《祕密花園》，由Inez 和Vinoodh執掌，畫面中再次出現熟悉的構圖，又以馬內的《草地上的午餐》為題，讓觀眾會心一笑。不過這次沒有人裸體，反而以大紅色來引出視覺焦點，實為引導視覺的創意。

經典影像的重生－模仿經典圖像的時尚攝影（上）

從前的藝術創作者藉由模仿再製來實驗自己的全新概念，而後現代的如今，時尚品牌則藉由反芻或融合經典圖像的符號，引起新鮮的視覺張力，製造新的賣點與話題。無論是出於渴望超越前人的野心，還是想再三回味經典的美麗，每當看到有新銳的藝術家或創作者，企圖模仿經典畫作或經典影像時，都會忍不住多看一眼，因為總是會興起比較心態，想看新版遺漏了哪些耐人尋味的細節，但也因此再次確立了經典作品的偉大與傑出。

Man Ray－《安格爾的小提琴》與《浴女》

許多攝影史上的大師，皆是從繪畫開始涉入影像世界，再以攝影聞名世界的。影響當代時尚攝影甚鉅的超現實主義大師Man Ray就是如此，身為時尚攝影先驅，熟稔各式畫風的他，手下那流芳百世的攝影作品《安格爾的小提琴》（Kiki），也是模仿前人的作品再結合自己新的藝術論調所產生的全新經典。《安格爾的小提琴》參考了的《浴女》，試著藉由女人的優美曲線，喻出了小提琴的輪廓。「安格爾的小提琴」在歐洲是一句有名的俗諺，意思是「終其一生的嗜好，但不以此維生」，在1793年，安格爾為了負擔家計，到劇院樂隊裡擔任第二樂手，即使後來他在繪畫方面表現得如此傑出，他也始終認為自己的小提琴比自己的畫更為優秀。

Man Ray借用了《浴女》的造型和難以忘懷的背影，讚頌安格爾在人物素描中追求的理想美，對Man Ray來說，每一位女性都有其最值得被放大的美麗之處，如同《浴女》那位看不見臉的主角，背部的線條，流暢得如同小提琴的輪廓，於是Man Ray將自己的對安格爾的印象，以相機代筆，「自動書寫」出的腦海意識，言簡意賅地表現出概念，同時區隔了《浴女》的情慾，添入自身的詭譎風格，留下了永遠的攝影經典。

Yves Saint Lauren－1999年春夏系列廣告

喜愛藝術畫作的大師Yves Saint Lauren，不僅家中收藏了成山的藝術品，他所創作的服裝也時常以經典的藝術畫作作為靈感來源，如同效仿蒙德里安畫作的背心裙洋裝，比例精準，優雅絕美，是時尚史上數一數二的經典之作，其餘向Picasso、Van Gogh、安迪沃荷等藝術家致敬的成衣系列更不計其數。

如同Coco Chanel女士，一生致力於用服裝解放女性身體自由的Yves Saint Lauren，也運用品牌的廣告來托付這樣的理念，1998年，法國主辦第16屆世界杯足球賽，閉幕式上300名來自世界各地的模特兒身穿40年來他所設計的經典服飾在場中變換隊形，而這也是他最後一次發表左岸成衣系列，場面浩大成為歷史性的一刻。隔年，他的同名服裝品牌Yves Saint Lauren發布了一系列驚世駭俗的廣告，數幅模仿經典畫作的廣告當中，置入了他本人的對於時尚的前衛概念，使得構圖與畫作相仿，卻又有了不一樣的解讀，如馬內的《草地上的午餐》，原本應是裸體的女人，在1999年春夏系列廣告中，超模凱特摩絲卻成了畫面中唯一有穿衣服的人，而且造型正也是象徵女性意識抬頭的西褲套裝，反倒是兩位男士一絲不掛的出現在畫面當中。

遙想當年馬內完成這幅畫作時，因為那位在男士面前大膽裸體的女子而被評為淫邪之作，Yves Saint Lauren將畫作中人物立場對調，成功的塑造了「大女人」獨立自主的形象，透過服裝，讓女性重新奪回性別上的權力，因為他希望女性能夠藉由服裝獲得解脫和自由。儘管仍有人批評這樣重構歷史名畫的舉動為抄襲，卻無法抹滅Yves Saint Lauren致力賦予女性力量的偉大。